sábado, 28 de febrero de 2015

Crítica: Die Welle (2008)

 Titulo en Espanol: La Ola
Director: Dennis Gansel
Guion: Dennis Gansel, Peter Thorwarth
basado en la novela de Todd Strasser
Reparto: Jürgen Vogel, Frederick Lau, Jennifer Ulrich, Max Riemelt, Odine Johne, Elyas M'Barek, Christiane Paul, Max Mauff, Amelie Kiefer, Tim Oliver Schulty
Musica: Heiko Male
Fotografia: Torsten Breuer
Productora: Constantin Film Produktion/ Rat Pack Filmproduktion/ Medienfonds GFP


Handlung
Basada en hechos reales acontecidos en Palo Verde, California, EEUU durante los años sesenta, cuenta como durante una semana de proyectos en un instituto sobre diferentes sistemas políticos, un profesor pierde el control de una clase sobre la que ha impuesto un sistema autoritario para enseñar a sus alumnos de la manera más realista y pedagógica posible las principales características de este tipo de gobierno. A pesar de que en un principio los alumnos responden bien, resaltando el respeto a la autoridad (el profesor) y el alto grado de compañerismo al trabajar en equipo, pronto los jóvenes comenzarán a perder en individualismo para enfrentarse a todo aquello que amenace la estabilidad del grupo.

Meine Bewertung
No es la primera vez que Alemania adapta a la gran pantalla un hecho real sobre el resurgimiento del autoritarismo como ideología ocurrido en otro lugar, como podía ser el caso de Das Experiment (Oliver Hirschbregel, 2001) y es que en pocos lugares puede despertar mayor interés una propuesta de tal calibre. No cabe la menor duda de que si esta cinta tuviese otra procedencia no habría tenido la misma repercusión, principalmente por razones históricas. ¿Podría volver el nazismo u otra forma de gobierno autoritaria? La respuesta obvia parece que no, sin embargo Gansel demuestra lo fácil que podría llegar a ser. Cada generación se aleja mas y mas de los efectos de la segunda guerra mundial. Lo que sabemos es gracias a documentales, películas, y a lo que nos enseñan en el colegio. Conocemos a esos grupos radicales a los que hay que evitar, pero ¿cómo hacerlo cuando una voz a la que respetamos nos imponen estos principios? El individualismo resulta beneficioso para aquellos que tienen la suficiente personalidad y carácter para enfrentarse al día a día sin depender de nadie. Pero y ¿todos esos que no se adaptan? ¿Qué pasa con todos aquellos que tienen miedo y necesitan un apoyo? Es por ahí por donde se cuela un tipo de ideología que evita el individualismo en beneficio del grupo, y esto se ve perfectamente reflejado en la cinta. Todos visten igual con una camisa blanca (desaparecen los diferentes grupos), todos hacen un saludo (sena de identidad), se ponen en pie para hablar (y por supuesto piden permiso para hacerlo).  
El director hace uso de un lenguaje directo y sencillo, cercano a los jóvenes para dotar de realismo una historia sencilla y compleja a la vez. La cinta, del ano 2008, muestra a unos jóvenes alemanes sin grandes preocupaciones y con problemas a priori surgidos por el egoísmo colectivo y complejos sociales. Si trasponemos los problemas cotidianos y actuales como la crisis económica, el paro, la inmigración, el terrorismo... deja de parecernos una película de ficción para ver pilares de realidad. Los grupos de extrema izquierda y derecha están resurgiendo en Europa. ¿Tan ilusos hemos sido dándole tan poco importancia al restablecimiento de este tipo de ideologías? Pues empiezan a ser realidad.
He leído en algún medio que es una cinta orientada a los jóvenes para mostrarle y advertirles sobre los peligros del autoritarismo... yo soy de la opinión que va mas bien dirigida a los padres, para mostrarle que clase de hijos están criando.





Das Beste
La seria y obligada reflexion a la que invita. Documento a tener en cuenta para evitar futuros desastres.

Das Schlimmste
Si bien la cinta cuenta con muy buenos ejemplos para desarrollar la teoría de la misma, creo que peca en exceso a la hora de confundir el respeto proveniente de los buenos modales, con el respeto hacia una figura autoritaria, como puede ser el pedir permiso para hablar. En una democracia liberal y abierta también contamos con un mínimo de normas de respeto sin que para ello glorifiquemos a un líder. Por otro lado, que las defensoras de las libertades y la democracia en la cinta sean una pija malcriada y una punk anaquista...

Preises:
Premios del Cine Alemán  
Mejor Pelicula, categoria de Bronce

Festival Internacional de Estambul
Gran Premio del Jurado

Jupiter Awards
Mejor Actor Aleman (Jürgen Vogel)
Mejor Director Aleman (Dennis Gansel)

Undine Awards
Mejor Actor Joven (Frederick Lau) 
Mejor Protagonista Joven (Max Riemelt)

Nota: 4/5 Cervecitas.


@cine_aleman

viernes, 27 de febrero de 2015

Crítica: Hitlerjunge Salomon (1990)

Título en Español: Europa Europa
Director: Agnieszka Holland
Guión: Agnieszk Holland, Paul Hengge, Sally Perel
basado en la novela de Solomon Perel
Reparto: Marco Hofschneider, Julie Delpy, René Hofschneider, Piotr Kozlowski,
André Wilms, Solomon Perel
Música: Zbigniew Preisner
Fotografía: Jacek Ptrycki
Productora: Central Cinema Company Film (CCC)


Handlung
Solomon es el más joven de los Perel, una familia alemana que, como otras tantas, es amenazada por su condición de judíos tras el ascenso del nazismo. Tras la muerte de su hermana a manos de los camisas pardas, los Perel emigran a Polonia para huir de la barbarie nazi. Pero no pasará mucho tiempo hasta que los alemanes invadan el país por oeste, seguido de los soviéticos por el este, obligando a Solomon a huir junto a su hermano, al cual perderá mientras van en barca, acabando en manos de los soviéticos, que lo acogerán en un orfanato. Tras dos años de adoctrinamiento en el centro de acogida, los nazis comenzará su ataque sobre los rusos, por lo que para salvar su vida, Solomon se hará pasar por alemán secuestrado por los comunista, logrando así que no sospechen de él como judío. Esto le dará tiempo para sobrevivir, marcándose como objetivo pasarse al lado de los rusos. Tras un malentendido, Solomon será considerado un héroe al atrapar a los rusos con los que realmente quería escapar, por lo que será adoptado por un capitán alemán, y enviado a una de las escuelas más elitistas de las juventudes hitlerianas.

Meine Bewertung
La directora, escritora y productora polaca Agnieszk Holland parte de la aclamada novela de Solomon Perel para contar una de las historias más increíbles de la segunda guerra mundial, y remarcamos el "increíble" para recordar una de las posibles definiciones de esta palabra (difícil de creer, que parece imposible) y es que es así, es una historia que como bien decía el hermano del protagonista nadie creería jamás. En ocasiones la realidad supera a la ficción, y este es uno de los casos que mejor ejemplifica este dicho. Sin embargo contar la increíble historia de supervivencia de este joven puede llegar a resultar lo de menos. La oportunidad de situar a un joven judío en medio del núcleo más duro del nazismo como ideología es su principal característica, regalándonos momentos en los que los dogmas del mismo cae por su propio y absurdo peso.
El mensaje de la cinta es de los más claros y originales que jamás he tenido la oportunidad de ver en una cinta de este género. Acostumbrados a la consabida crítica al nazismo por los crímenes que cometieron, en esta cinta nos encontramos una elegante, suspicaz e irónica crítica a lo absurdo de su ideología y las motivaciones para odiar a los judíos. La escena donde el profesor mide la cabeza del protagonista, o la propia relación que tiene con una joven Julie Delpy (co-producción con Francia, ahí la razón) radicalizada y enamorada de un judío sin saberlo son algunos ejemplos.
La película contó con una gran acogida internacional, gustando especialmente en Estados Unidos, donde recabó numerosos premios de la crítica especializada. Curiosamente, fue en Alemania donde gustó menos y las críticas fueron más tibias. La polémica llegó cuando el país germano decidió no nominar a la cinta a pesar de los premios recibidos, entre ellos el Globo de Oro. Alemania fue acusada de anti-semita por dicha razón y de seguir siendo incapaz de aceptar su pasado (razones en mi opinión absurdas). La Academia la rescató con una nominación a Mejor Guión Adaptado.

Das Beste: El desarrollo de la historia junto a su carismático protagonista, gran labor de Marco Hofschneider.

Das Schlimmste: La dirección de Agnieszk Holland sufre de altibajos, encontrándonos con momentos faltos de ritmo, aunque son excepcionales. 

Preises:

Globos de Oro
Mejor Película Extranjera

Asociación de críticos de Boston
Mejor Película Extranjera

Asociación de críticos de Kansas
Mejor Película Extranjera

Asociación de críticos de L.A.
Mejor Música

Asociación de críticos de N.Y.
Mejor Película Extranjera

National Board of Review
Mejor Película Extranjera

Nota: 4/5 Cervecitas.

@cine_aleman

martes, 24 de febrero de 2015

Crítica: Das Boot (1981)

Título en Español: El Submarino
Director: Wolfgang Petersen
Guión: Wolfgang Petersen
basado en la novela de Lothar-Günter Buchheim
Reparto: Jürgen Prochnow, Herbert Grönemeyer, 
Klaus Wennemann,
Música: Klaus Doldinger
Fotografía: Jost Vacano
Productora: Bavaria Film/ Radiant Film GmbH/ Süddeutscher Rundfunk (SDR)/ 
Westdeutscher Rundfunk (WDR)/ Twin Bros. Productions

Handlung
La batalla entre el Eje y los Aliados durante la Segunda Guerra Mundial se decide en el Atlántico, más en concreto entre los convoyes de mercancías y soldados escoltados por destructores que tratan de llegar a las islas británicas, y los temidos U-Boot alemanes. Y para mostrarnos dicho enfrentamiento seguiremos al teniente Werner, un periodista del ejército que va a pasar una temporada en el interior de un submarino para escribir sobre la vida abordo y el "coraje" de los marinos alemanes. Una vez en la nave, Werner no tardará en descubrir la terrible presión que soportan los hombres en el interior, además de la tensión antes y durante cada ataque, los cuales no serán nada en comparación con la misión suicida que les será encargada.

Meine Bewertung
Con apenas unas pocas cintas y películas para televisión a sus espaldas, y un premio de la Academia Alemania casi diez años atrás a Mejor Nuevo Director, Wolfgang Petersen convencía a una serie de productoras para que depositaran su confianza en un arriesgado y novedoso mega proyecto bélico nunca antes visto en la filmografía alemana. Tendríamos que remontarnos a 1958 para encontrar una cinta de temática similar U-47 (Harald Reinl). Y es que la adaptación de la novela de Lothar-Günter Buchheim se había intentado llevar a cabo con anterioridad por Hollywood, con Paul Newman en el papel principal, pero debido a desavenencias con el lado alemán (la intención era rodar una escena en la que miembros de la SS disparaban a los supervivientes de un carguero estadounidense hundido, a pesar de que no había SS en el interior del submarino) el proyecto quedó en nada hasta que acabó en las manos de un alemán. 
Petersen coincide por la época con la generación de cineastas alemanes del Nuevo Cine Alemán que influenciados por la Nouvelle Vague francesa buscan una nueva forma de cine. Sin embargo, Petersen se aleja de estos decantándose por un estilo más cercano al de Hollywood, influenciado también por sus años trabajando en la televisión alemana (su colaboración con la mítica serie Tatort es un buen ejemplo). El director procedente de la ciudad de Emden se muestra como un defensor del thriller, buscando captar al máximo la atención y hasta el sufrimiento del espectador con cada plano a través de un historia perfectamente hilvanada, y ejecutada con gran ritmo. Por todas estas razones no es de extrañar el estilo casi dictatorial (desde el cariño) del director a la hora de realizar la película, manteniendo un absoluto control de cada mínimo detalle, ya sea en la elaboración del guión, la elección de los actores y de su propio equipo, además de las propias condiciones de trabajo que el considere mejor para aportar el mayor realismo posible a su proyecto. Por ejemplo, a la hora de elegir al casting, salvando a los tres personajes principales, Petersen se decantó por actores de diferentes zonas tanto de Alemania como de Austria para aprovechar los diferentes acentos y dialectos y mostrar una mayor diversidad, al igual que ocurría en el ejército alemán durante la Segunda Guerra Mundial. Otros de los ejemplos sería el duro rodaje durante todo un año en el que los actores vivían realmente en condiciones ligeramente insalubres y en espacios reducidos de manera que se notara la fatiga y palidez en sus rostros, además de dejarse crecer pelo y barba de manera natural. 
Para lograr una mayor tensión en el espectador, la mayor parte de la cinta se rodó en el interior de un falso submarino en los Estudios Baviera (en los que los actores hacían el día a día habituándose de esta manera a la vida en un submarino) creando una sensación de claustrofobia total, especialmente en los momentos en que el submarino es atacado. Los famosos travellings a lo largo de los pasillos del submarino se rodaron usando una cámara Arriflex portatil con la que el director de fotografía, Jost Vacano, perseguía a los actores a toda prisa por el minúsculo decorado. Algo a lo que también ayuda la tensa y al mismo tiempo épica banda sonora de Klaus Doldinger.
La intención de Petersen en todo momento fue mostrar por una parte el lado humano de los tripulantes del submarino, verdugos o víctimas, eran tan humanos como nosotros mismo. Por otra, el mensaje anti-belicista de la película, a través de (como afirmaba el propio director) un viaje de locura para mostrar la realidad de la guerra en el que somos testigos junto al teniente Werner de la terrible vida en el interior de un submarino. Y lo consiguió, ya que estamos ante una cinta aplaudida tanto por veteranos como por historiadores por su veracidad y realismo, siendo considerada como una de las mejores películas sobre la Segunda Guerra Mundial jamás hecha. Curiosamente, si alguien no terminó satisfecho con la película fue el autor de la novela, Lothar-Günter Buchheim.
Aplaudida en el mundo entero, la cinta logró el reconocimiento tanto de la crítica como del público, impulsando a Petersen (nominado al Oscar a Mejor Director y Guión) a rodar un proyecto aún más arriesgado a continuación. Logró además influir en los años siguientes a otras aclamadas cintas del género de submarinos como fueron The Hund for Red October (John McTiernan, 1990), Crimson Tide (Tony Scott, 1995), U-571 (Jonathan Mostow, 2000), o K-19 (Kathryn Bigelow, 2002). e


Das Beste: Su realismo, la constante sensación de claustrofobia, la banda sonora, el reparto, la edición de Hannes Nikel.

Das Schlimmste: No es mi caso, pero en ocasiones puede resultar lenta. Si bien la intención de esto es mostrar la (en ocasiones) anodina vida en el interior de un submarino, esto pasa facturas con un buen número de espectadores.

Preises:

Premios del Cine Alemán
Mejor Sonido
Mejor Pelicula, categoría Plata
Premios del Cine Bavaro
Mejor Director 
Mejor Fotografía

Gremio de Montadores de Sonido
 Mejor Montaje de Sonido

National Board of Review 
Mejor Película Extranjera 

Golden Screen
Golden Screen de Oro 
 Festival de Cine de Munich
 Mejor Actor Joven (Heinz Hoenig)


Nota: 4,5/5 Cervecitas.




@cine_aleman

lunes, 23 de febrero de 2015

Crítica: Die unendliche Geschichte (1984)

Título en Español: La Historia Interminable
Director: Wolfgang Petersen
Guión: Herman Weigel, Wolfgang Petersen, Robert Easton
basado en la novela de Michael Ende
Reparto: Barret Oliver, Noah Hathaway, Moses Gunn, Tami Stronach, Patricia Hayes, Sydney Bromley, Thomas Hill, Deep Roy
Música: Klaus Doldinger
Fotografía: Jost Vacano
Productora: Neue Constantin Film, Bavaria Studios, Westdeutscher Rundfunk (WDR)


Handlung
Bastian es un joven que acaba de perder a su madre y se debate entre evadirse de la realidad con sus libros favoritos, o seguir con "los pies en la tierra" como le recuerda su distante padre. Mientras huye de los matones de turno de su escuela, se esconde en un anticuario donde su dueño, Mr. Koreander, le advierte del poder de un libro titulado "La Historia Interminable". Bastian se hace con el libro y decide leerlo a escondidas en el desván de su colegio, evitando de esta manera un examen sorpresa de Matemáticas. El libro cuenta como el mundo de Fantasía desaparece poco a poco engullido por "La Nada", por lo que la Emperatriz Infantil, la cual se muere al mismo ritmo que su imperio, encarga al joven guerrero Atreyu la misión de descubrir lo que origina "La Nada", acabar con esta, y salvar el mundo de Fantasía. Con el paso de las páginas, Bastian descubrirá perplejo que el también es una pieza fundamental de esta cruzada.

Meine Bewertung
Tras el gran éxito cosechado con Das Boot, Wolfgang Petersen cambia de registro para llevar a la pantalla la exitosa novela infantil "La Historia Interminable", y nuevamente la crítica (esta incluida) le aplaude por su trabajo. La decisión de adaptar la mitad de la novela fue seguramente lo más acertado por la extensión de la misma, a pesar de que muchos personajes y momentos se perdieron por el camino. Tiempo después se realizó una segunda película con un equipo completamente distinto que pretendió adaptar el resto de la novela sin mucho éxito. Sin embargo, el gran logro de esta adaptación fueron los efectos especiales que sorprendieron a todos con figuras diseñadas y elaboradas manualmente como el dragón Falkor.
Que Petersen sabe contar historias y transmitirlas de manera que guste a los espectadores de cualquier edad es algo indiscutible. Los personajes originales de la novela poseen un carácter y personalidad entrañables e inolvidables (incluido el fiero Gmork) unido al terror que provoca la misteriosa "nada".
El mensaje, advertencia en su día, y clara realidad a día de hoy, alerta a la sociedad sobre unos jóvenes que se convierten cada vez más en voraces consumidores de productos cerrados que impiden el desarrollo de la imaginación.
Acostumbrados a películas de fantasía sobrecargadas de efectos especiales digitalizados que presentan productos cada vez más fríos como El Hobbit de Peter Jackson (todo lo contrario que su trilogía de El Señor de los Anillos), revisionar cintas como La Historia Interminable despierta cierta melancolía por un tipo de cine más cercano y (aunque parezca erróneo) real. Una película que todos los padres deberían poner a sus hijos alguna vez.


Das Beste: El espírutu de la cinta, unido a la maravillosa banda sonora de Klaus Dondinger y el tema de la versión americana Never Ending Story interpretado por Limahl.

Das Schlimmste: A pesar de lo que me puedan gustar, estos efectos especiales han envejecido y esto se nota. Para ser "Interminable", la película se hace muy corta, dejando un sensación de que se ha desaprovechado material. Quizás así es como lo vio Michael Ende, el cual pidió que quitarán su nombre de los créditos.

Preises

Premios del Cine Alemán
Mejor Diseño de Producción

Premios Bambi 
Mejor Película Alemana
  
Saturn Award
Mejor Actor Jovén (Noah Hathaway)

Premios del Cine Bavaro
Mejor Producción

Golden Screen
Golden Screen de Oro

Nota: 3,5/5 Cervecitas.


P.D.: Si alguna vez vais a la zona de Baviera, podéis visitar los estudios donde se rodó parte de la película y en los que encontraréis al mítico Falkor.

@cine_aleman

jueves, 19 de febrero de 2015

Crítica: Das Kabinet des Dr. Caligari (1920)

Título en Español: El Gabinete del Doctor Caligari
Director: Robert Wiene
Guión: Carl Mayer, Hans Janowitz
Reparto: Werner Krauss, Conrad Veidt, Friedrich Feher, Lil Dagover,
Rudolf Klein-Rogge, Hans Heinz von Tawardowski
Música: Película Muda
Fotografía: Willy Rameister
Productora: UFA

Handlung
Dos amigos, Francis y Alan, deciden acudir al conocido carnaval del pueblo de Holstenwall, en Alemania, coincidiendo con la presencia del Doctor Caligari y su aterradora criatura, Cesare. Mitad sonámbulo, mitad muerto viviente, Caligari despertará a Cesare en cada ocasión frente a un numeroso público para hacerle contestar cualquier pregunta. Una de estas respuestas será la fecha de la muerte de Alan, la cual se producirá al día siguiente. Sumido en la pena por la pérdida de su mejor amigo, Francis, sospechando del doctor y su "fenómeno", comenzará a vigilarles en busca de una prueba de su culpabilidad. La conclusión de la cinta cambiará para siempre la historia del cine.

Meine Bewertung
Robert Wiene firma su obra maestra con esta película, que en un principio iba a rodar Fritz Lang, y que asienta definitivamente las bases del expresionismo alemán, tratándose por ello de un documento único y capital para el cine como arte.
Wiene busca retratar la Alemania de post-guerra, un lugar sumido en el caos, la vergüenza, y la humillación tras su derrota. Un panorama más propio del de una pesadilla que el mundo real, es por esa razón que Wiene hace uso de unos decorados en los que destacan las formas extrañas como ángulos imposibles, contraste de luces, maquillaje siniestro, interpretaciones exageradas, objetos deformados... como si del interior de una mente retorcida se tratase. Y como si de una pesadilla se tratase nos encontramos con un tal doctor Caligari manejando los hilos de su criatura Cesare para acabar con las vidas inocentes que se le antojan, que no es ni más ni menos que el propio Estado alemán que llevé al país a una guerra absurda y destructiva.
Al igual que en otras ocasiones en este género, el director se permite alguna licencia vanguardista (en aquel momento) para sorprender más aún al espectador, y en este caso se trata del "flash-back" con el que el personaje de Francis narra su historia, junto al final, en el que descubrimos que el "flash-back" no ha sido real, sino producto de la enfermedad de Francis que lo tiene recluido en un sanatorio mental.
Uno de las películas más importantes, no solo del cine alemán, sino del cine global, debido principalmente a ser el primer ladrillo de uno de los géneros más influyentes de la historia, el expresionismo.
Das Beste: Todo

Das Schlimmste: Nada

Nota: 5/5 CERVECITAS!

Y aquí podéis ver la película completa:


@cine_aleman

martes, 17 de febrero de 2015

Cine Alemán Online


A continuación dejamos un listado de las diferentes películas alemanas dobladas al español o en versión original subtituladas en YouTube que podréis encontrar en esta página.
La misma se irá actualizando cada cierto tiempo.

Clásicos
Das Kabinet des Dr. Caligari - El Gabinete del doctor Caligari (Robert Wiene, 1920)
Der letzte Mann - El Último (F. W. Murnau, 1924)
Metropolis (Fritz Lang, 1927)
M, el vampiro de Düsseldorf (Fritz Lang, 1931) 
Mädchen in Uniform - Muchachas de Uniforme (Leontine Sagan, 1931) NUEVA!!!


Etapa Nacionalsocialista
Der Triumph des Willens - El Triunfo de la Voluntad (Reni Riefenstahl, 1935) 

Cine en la RFA
Aguirre, der Zorn Gottes - Aguirre, la cólera de Dios (Werner Herzog, 1972)
Angst essen Seele auf - Todos nos llamamos Alí (Rainer Werner Fassbinder, 1974)
Der Name der Rose - El Nombre de la Rosa (Jean-Jacques Annaud, 1986)
Jeder für sich und Gott gegen alle - El enigma de Gaspar Hauser (Werner Herzog, 1974)

Tras la reunificación
Stalingrad - Stalingrado (Joseph Vilsmaier, 1993)

Post-2000
So weit die Füe tragen - Hasta donde los pies me lleven (Hardy Martins, 2001)
Der Untergang - El Hundimiento (Oliver Hirschbiegel ,2004)
Das Leben der Anderen - La vida de los otros (Florian Henckel von Dennersmack, 2006)

Crítica: So weit die Füße tragen (2001)

Título en Español: Hasta donde los pies me lleven
Director: Hardy Martins
Guión: Handy Martins, Bernd Schwamm, Bastian Clevé
basada en la novela de Josef Martin Bauer 
Reparto: Bernhard Bettermann, Michael Mendl, Irina Pantaeva, Anatoly Kotenyov,
Iris Böhm, Andre Hennicke, Hans Uwe Bauer
Música: Edward Artemiew
Fotografía: Pavel Lebeshev
Productora: Cascadeur Filmproduktion/ CP Medien/ B&C Filmproduktion


Handlung

Clemens Forell es un soldado alemán de la Werhmacht hecho prisionero en el frente ruso y condenado a 25 años de trabajos forzados en un gulag en el extremo oriental de la Unión Soviética. Torturado física y psicológicamente, su fuerte deseo de evadirse para volver a casa junto a su mujer embarazada y su hija conseguirán que el doctor alemán del gulag le ayude en dicha empresa. Una vez lejos de la prisión, Forell deberá enfrentarse no sólo a las adversas condiciones climáticas de Siberia (noches en invierno a -40 grados), sino también a los propios habitantes de la zona que buscarán cobrar la recompensa por su captura, los bestias salvajes que habitan por los alrededores, y los soldados rusos que le buscan, liderados incansablamente por el teniente Kamenev.

Meine Bewertung
Basada en el best-seller de Josef Martin Bauer, que a su vez se basó en las vivencias de Cornelius Rost, un soldado alemán que trabajó en el gulag y escapó del mismo, Hardy Martins lleva por primera vez a la gran pantalla esta emocionante y extraordinaria historia de supervivencia que de haber contado con otro director o equipo posiblemente habría pasado a formar parte del selecto grupo de grandes joyas de la filmografía alemana, pero no...
El argumento es interesante y épico. Lo tiene todo para firmar una gran obra. El guión, a pesar de sus altibajos, y de la terrible inclusión del teniente ruso que me recuerda a Tommy Lee Jones en The Fugitive (Andrew Davis, 1993) daba para mucho más. El principal problema radica en el momento en que la propia productora no cree en el proyecto y asigna como director a una persona sin apenas experiencia suficiente para llevar las riendas de un proyecto de tal envergadura. Y a pesar de que el ritmo de la obra no es malo del todo, y que cuenta con momentos ciertamente épicos y reseñables (la marcha de los soldados alemanes por la nevada estepa siberiana por ejemplo), la cinta falla por esta razón. Es la propia historia la que la salva, nada más. En su mayor parte recordará a típico tele-film "barato" de domingo por la tarde. Mucho mejor que estos, pero peor que una película normal. Y cuando hablo de barato no me refiero a la calidad del producto, sino a la elaboración y tratamiento del mismo. Podríamos habernos encontrado ante la Stalingrado (Joseph Vilsmaier, 1993) del siglo XXI.
Curiosamente existe otra versión, en esta ocasión una mini serie para la televisión (la primera de la historia de Alemania), en la que sospecho se "inspira" demasiado bien.









Das Beste: La novela en la que se basa. La interesante fotografía filmada entre Alemania, Rusia, Bielorrusia y Uzbekistan. El estar rodada en varios idiomas, no mostrado los subtítulos en algunos momentos claves para sumergir al espectador en una clara y agobiante confusión lingüística para así mantener la tensión.

Das Schlimmste: La barata factura que presenta, a pesar de que seguramente no fuese nada barata.

Preises
Festival Internacional de Cine de Milán
Mejor Diseño de Producción

Nota: 2,5/5 Cervecitas.


Podéis ver la película online aquí:
 
@cine_aleman

lunes, 16 de febrero de 2015

Crítica: Die Blechtrommel (1979)

Título en Español: El Tambor de Hojalata
Director: Volker Schlöndorff
Guión: Jean-Claude Carrière
basado en la novela de Günter Grass 
Reparto: David Bennent, Angela Winkler, Mario Adorf,
Daniel Olbrychski, Katharina Thalbach, Berta Drews 
Música: Maurice Jarre
Fotografía: Igor Luther
Productora: Jadran Film


Handlung
El Tambor de Hojalata muestras las vivencias de Oskar, narrador de la historia, que a los tres años de edad decidió dejar de crecer tras arrojarse por las escaleras de su casa. A pesar de que supuestamente tiene la inteligencia de un adulto, su cuerpo y aspecto no cambia con el paso de los años, siendo sus principales características el tambor de hojalata de turno que lleva siempre con él, o los potentes chillidos capaces de romper cristales. La historia aprovecha el curioso caso de Oskar para narrar los diferentes acontecimientos históricos acaecidos en la ciudad de Danzig, actualmente Gdansk (Polonia), durante la primera mitad del siglo XX. A través de los ojos de nuestro protagonista veremos la convivencia entre alemanes y polacos durante aquella época, el ascenso del nazismo, la persecución de los judíos, los horrores de la guerra, y la entrada de los rusos en la ciudad.

Meine Bewertung
Si hay algo que me guste en el arte es todo aquello que no deja indiferente al espectador. No soy amigo de lo radical o transgresor, pero si que aplaudo un producto valiente, arrojado, diferente. Y ya en referencia al séptimo arte, me atraen aquellas películas que amas u odias. Que no exista término medio. En el caso de la cinta que nos atañe hoy, puedo asegurar que me quedo con la segunda opción. Seguramente los 160 minutos más largos de toda mi vida. Una cinta cuya única utilidad es la que escribir esta reseña para, si bien no permitiros el verla, si advertiros.
Soy un aférrimo defensor del surrealismo, pero aquí no tiene ni pies, ni cabeza. No me meteré en como puede funcionarle a Günter Grass en su novela, pero desde luego plasmado al cine es poco menos que patético. Desde el personaje principal, seguramente el niño más irritante de toda la historia del cine, ya sea por su aspecto, su comportamiento, los chillidos que rompen todo vidrio que se le ponga por delante, o el tambor de hojalata de los cojones que no deja de tocar a todas horas. Si lo que tanto autor como director tratan de mostrar es el punto de vista de un... ¿niño? (en serio, había momentos en que no sabía que tenía delante) fracasan estrepitosamente, ya que en la mente de Oskar no nada más que su tambor. Que esté en el preciso de lugar de cualquier acontecimiento reseñable poco importa. Tampoco ayudan el resto de secundarios, ya sea la madre comiendo pescado crudo, o montándose un trío amoroso con su marido y su primo; el "padre", y con esas comillas ya lo digo todo, indiferente a la relación que tiene su mujer con el primo de esta; el "tío", con esas comillas también lo digo todo, orgulloso polaco que a la hora de la verdad se acobarda; o la abuela, la cual ha tenido a toda Polonia debajo de sus faldas al menos una vez (literalmente).
Un auténtico despropósito de película que arrasó en su momento tanto en Alemania, como en Europa y EEUU.


(en serio, wtf?)

Das Beste: Además de la aparición de los títulos de crédito para alivio del espectador masoquista como yo que aguantó hasta el final, la película cuenta con momentos interesantes pero plasmados con total desacierto. La propia historia de Danzig-Gdansk es realmente interesante, mostrando la convivencia entre polacos, alemanes y casubios, y los diferentes hechos históricos de la misma. Además del único personaje que salva la cinta, el fabricante de juguetes judío enamorado en secreto de la madre de Oskar. Además de eso, poco más.

Das Schlimmste: Esta podría ser una lista muy larga: el gráfico nacimiento de Oskar; la escena de sexo entre la madre y el primo; los escupitajos mezclados con pica-pica entre Oskar y la segunda mujer del "padre"; las escenas de "sexo" entre Oskar y esta última; en definitiva, casi todo momento en el que aparezca el protagonista, por lo general chillando y tocando el dichoso tambor. Pero lo más insultante de todo, la Palma de Oro del festival de Cannes que compartió con Apocalypse Now, ¿en serio?

Preises:
Oscar
Mejor Película de habla no inglesa

Festival de Cannes
Palma de Oro (Ex- Aequo)

Premios del Cine Alemán 
Mejor Película

National Board of Review
Mejor Película Extranjera

Nota: 1/5 Cervecita sin Alcohol

@cine_aleman

Berlinale 2015


Este pasado fin de semana se anunciaron las ganadoras de la 65 edición de una de los festivales de cine internacional más prestigiosos del mundo, la Berlinale, con sede en la capital alemana.
Entre las ganadoras debemos destacar el Oso de Plata a Contribución Artística Sobresaliente para el director noruego de fotografía Sturla Brandth Grovlen por su trabajo en Victoria (Sebastian Schipper, 2015) la cual fue rodada en un único plano secuencia. 
La sección oficial contó con otras películas como Als wir träumten , la nueva película de Andreas Dresen (tras su éxito 4 años atrás con Halt auf freier Strecke), sobre el paso a la adolescencia de un grupo de jóvenes de Alemania del Este, la cual coincide con la reunificación del país; Queen of the Desert (Werner Herzog, 2015) bio topic sobre la exploradora Gertrude Bell, a la que da vida Nicole Kidman; además de la ya mencionada Victoria, para la cual su protagonista, la española Laia Costa partía como una de las favoritas para alzarse con el premio a Mejor Actriz. Ninguna ha gustado en exceso, siendo la cinta de Herzog la más criticada.
Fuera de sección oficial también contamos con el esperado y desastroso regreso de Wim Wenders con Everything Will Be Fine; y finalmente Elser: Er hätte die Welt verändert, la cual si bien cuenta la interesantísima historia de George Elser, un carpintero que estuvo apunto de acabar con la vida de Hitler en 1939, no ha terminado de convencer a la crítica. Dirigida por Oliver Hirschbiegel, director de las geniales Das Experiment (2001), Der Untergang (2004), pero también de las terribles The Invasion (2007) y Diana (2013).
En resumen, podemos decir que la expectación creada por los diferentes nombres y títulos alemanes que se presentaban al festival ha acabado en una sonrojante decepción. Queda por ver lo que dirá el público cuando estas se estrenen en cines.

@cine_aleman

sábado, 14 de febrero de 2015

Historia del cine alemán: El Expresionismo

A lo largo de la historia del cine encontramos numerosos géneros, etapas, movimientos... algunos más influyentes que otros. Pero sin duda alguna, cuando nos paramos a hablar sobre el expresionismo alemán nos encontremos con uno de los más anárquicos en parte, y centrados por otra. Me explico. Algunos autores o expertos te ofrecerán un listado de películas que pertenecen a dicho género por la temática, por una serie de detalles o normas no escritas que aparecen en la película. Otros lo limitarán al director.
También sobre la definición del propio género podemos encontrar divergencias en ocasiones. Por eso, voy a tratar de ser lo más correcto posible con lo a continuación os voy a presentar, invitándoos al debate sobre lo que no estéis de acuerdo. Siempre es de agradecer.

Antecedentes e influencia.
Empecemos hablando del origen del expresionismo y a como afecto, como movimiento artístico al cine. A comienzos del siglo XX surge en Alemania la corriente expresionista, llamada así por contraste al impresionismo del siglo XIX. El expresionismo se diferencia principalmente por su distorsión de la realidad, primando así de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, y anteponiendo los sentimientos a la descripción objetiva de la realidad. Fue a través del movimiento "Die Brücke" (el puente), que el expresionismo se dio a conocer asentando unas bases mínimas que acabarían siguiendo un gran número de artistas. 
En 1913 ya encontramos la primera película alemana que según los expertos rompe con los esquemas hasta entonces establecidos, y presenta otra manera de narrar una historia. Se trata de Der student von Prag - El estudiante de Praga (Stellan Rye, Paul Wegener). ¿Si pertenece al expresionismo alemán? Digamos que no, ya que si bien nos encontramos ante un producto diferente al usual a comienzo de los años diez, no posee las características que definían al expresionismo alemán. De igual manera ocurre con Der Golem - El Golem (Henrik Galeen, Paul Wegener, 1915), aunque no con el remake que el propio Wegener hizo en 1920, donde ya si nos encontramos con una película que estéticamente no podríamos catalogar de otro género que no sea el expresionismo alemán.
Es tras el final de la gran guerra, y una vez establecida la República de Weimar en Alemania, cuando el cine germano alcanza una gran popularidad e importancia en la gente debido a las inquietudes socio-políticas de los directores y sus deseos de reflejar a través del expresionismo la vida de los alemanes tras el conflicto bélico, y las secuelas que ello había provocado en la sociedad.

Max Reinhardt
Se habla mucho de Murnau, Wiene o Lang, pero menos de Reinhardt, el auténtico artífice y responsable de trasladar el expresionismo al cine. ¿Cómo? Max Reinhardt era un productor teatral alemán que decidió romper con los cánones del teatro de la época y apostar por el expresionismo en contraposición con el impresionismo o el naturalismo. Adquirió y reconstituyó la compañía teatral "Deutsches Theater" (teatro alemán), dirigiéndola  en una primera etapa (1905-1919) en la que formó compañías de actores y directores entre lo que se incluían F.W. Murnau, William Dieterle, Robert Wiene, Max Schreck o Ernst Lubitsch entre otros.
Reinhardt decidió confiar los bocetos y decorados al pintor noruego Edvard Munch, el cual presentaba una escena expresionista  que sorprendía al público. Asimismo, Reinhardt creó la "Kammerspiele" (representación de cámara), que consistía en representaciones teatrales en decorados expresionistas e intimistas a un reducido número de espectadores. La idea era que éstos pudieran captar hasta los gestos más sutiles de los actores.
A diferencia de otros directores o actores de teatro, Reinhardt sabía perfectamente que el cine le ofrecía mejores oportunidades de llevar al espectador esta manera de representación que el propio teatro. De ahí que comenzará a producir películas que trasladaran su experiencia del teatro al cine. Y lo que es más importante, su trabajo influyó en otros directores y actores para hacer lo mismo. 

El Gabinete.
Fue precisamente uno de los "hijos teatrales" de Reinhardt quien presentó al mundo la primera película que podemos catalogar como perteneciente al expresionismo alemán. Se trataba de Robert Wiene, responsable de la genial Das Kabinett des Dr. Caligari - El Gabinete del doctor Calibari, 1919.
Proyecto que originalmente iba a ser dirigido por Fritz Lang, pero que debido a problemas de agenda acabó en manos de Robert Wiene, cuenta la historia real de unos asesinatos acontecidos en Hamburgo, que Wiene modificó en busca de un resultado diferente. La película trata sobre un doctor ambulante llamado Caligari y  su ayudante sonámbulo, Cesare, que es capaz de prever el futuro. Predicciones aterradoras a las que seguirán unos extraños asesinatos. 
Fue el propio Wiene quien añadió al guión la primera y última escena de la película cambiando por completo el sentido de la trama y permitiendo aclarar mejor sus intenciones con la historia. Desde un primer momento la película era una denuncia al estado alemán a través de la historia de los crímenes que cometía Cesare bajo las órdenes hipnóticas del doctor Caligari, al igual que Alemania hizo con sus soldados durante la guerra. Wiene fue presionado tanto por la productora como por el gobierno para cambiar esto, de ahí que la primera y última escena nos lleve a un sanatorio donde todo lo que se cuenta proviene de la mente de un desquiciado mental. Eso da más sentido a los decorados y fondo expresionista que aparecen durante toda la narración, obra de los artistas Hermann Warm, Walter Röhrig y Walter Reimann. 

(fotograma del Gabinete del doctor Caligari en el que podemos 
apreciar la estética expresionista)

Somos testigos de detalles como el de la luz, la cual no es solo artificial (recordemos que la película entera está rodada en interiores), sino que además la encontramos pintada tras su paso por las ventanas; los decorados de las ciudades, contrahechos y desfigurados, de perspectivas falseadas, marginan cualquier referencia a la realidad; Destacan también los actores, su excesiva actuación y su maquillaje; y la fotografía, en la que salvo unas pocas panorámicas, no hay movimientos de cámara, solo primeros planos o planos generales... todo esto contribuye a reflejar un clima asfixiante, propio de una pesadilla, que ayudar a reflejar el estado de terror y los sentimientos de los protagonistas.
La película fue un éxito inmediato, llegando a influir sobre el resto de obras pertenecientes al expresionismo alemán y a que se conociera a todo este tipo de detalles como "caligarismo". Como curiosidad, decir que la imagen de Cesare era de las más conocidas a nivel mundial junto a la de Charlot.

Autores expresionistas:
Si bien Wiene jamás consiguió otra triunfo como el del doctor Caligari, si hubo otros muchos directores que alcanzaron el éxito y cuyas obras podemos catalogar dentro del género expresionista. Estos son algunos casos:

-F. W. Murnau: Fue uno de los directores, junto a Fritz Lang que mejor supo reflejar el expresionismo alemán. En Nosferatu, eine Symphonie des Grauens - Nosferatu, película de 1922, nos presenta la historia de Dracula, transformada en un conde conocido como Orlok. La película se sirve como denuncia al estado alemán. Si bien pertenece al genero que hoy nos ocupa, Murnau rompió las reglas al rodar en exteriores, en contra del pensamiento de otros autores que preferían hacerlo en interiores. Dos años después, en 1924, nos trae Der Letzte Mann - El último, la cual supuso toda una revolución para la época por sus movimientos de cámara que permitían narrar la historia de una manera diferente y novedosa, ayudando al espectador entender aún más los sentimientos del protagonista, un anciano portero de un glamuroso hotel que se relegado a trabajar en los baños del hotel tras una vida de respeto.

(fotograma de El último, con Emil Jannings)

Su última cinta en Alemania sería la adaptación del dramaturgo alemán Goethe, Faust - Fausto, donde destaca una impecable técnica para la época con claroscuros, y unos impactantes efectos especiales.
Otras de sus obras fueron: Phatom - El nuevo Fantomas, y Herr Tartüff - Tartufo o el hipócrita.

-Fritz Lang: El que originalmente iba a sentarse en la silla del director del doctor Caligari, tuvo que esperar hasta 1921 para darse realmente a conocer (a pesar de que sus anteriores película también habían sido exitosas) con Der Müde Tod - Las tres luces, en la que una joven tendrá que aceptar el reto de la Muerte para salvar a su amado. Más adelante llegaría Dr. Mabusse, der Spieler - Dr. Mabuse, 1922; y la que seguramente sea la película más conocida del expresionismo alemán, Metropolis. Obra maestra del género de ciencia ficción en la que parte de la humanidad está esclavizada en el corazón de la Tierra haciendo funcionar la maquinaria de los poderosos en la superficie, hasta que un robot incita un rebelión.
No voy a incluir cintas como los Nibelungos, 1924 o M. - M. el vampiro de Düsseldorf, 1931, ya que no soy de la opinión de que porque una serie de películas pertenezcan a la misma época o director, han de entrar en el mismo saco. No creo que sea el caso de estas películas. Vosotros diréis. 

(fotograma de Las tres luces)

-Georg Wilhelm Pabst: Hasta qué punto la obra de Pabst puede ser incluida en el expresionismo alemán es algo que los expertos siguen debatiendo. Sus títulos más conocidos e influyentes en aquella época fueron Der schatz - El tesoro, 1923; la polémica Die Freudlose Gasse - Bajo la máscara del placer, con Greta Garbo, 1924; y Geheimnisse einer Seele - Misterios de un alma, 1926.

(fotograma de Bajo la máscara del place, con Greta Garbo)

Otros títulos a tener en cuenta:
-Der Golem, wie er in die Welt kam - El Golem (Paul Wegener y Carl Boese, 1920): Remake que el propio Wegener realizó en 1920 y en el que claramente se ve influenciado por el expresionismo, al menos de un modo en el que ya sabe como reflejar este arte en el celuloide, a diferencia de su primera versión de los años 10.
-Genuine - Genuino (Robert Wiene, 1920): Fue la obra que siguió al Gabinete del doctor Caligari, que si bien no tuvo tanto éxito como la anterior, si que continuó en la senda ya marcada por el propio director.
-Von morgens bis Mitternacht - Del alba a la medianoche (Karl Heinz Martin, 1920): Considerada junto al Gabinete del doctor Caligari como el mejor ejemplo de expresionismo alemán, se trata de la obra de un director de teatro, influido por el expresionismo, que decide realizar una película siguiendo los parámetros de dicho arte. Y lo consigue. 
-Die strasse - La Calle (Karl Grune, 1923): Genial obra de misterio que sirve para mostrar la vida nocturna alemana en los años 20. 
-Orlacs Hände - Las manos de Orlac (Robert Wiene, 1924): Un famoso pianista pierde sus manos y le trasplantan las de un asesino condenado a muerte. La operación es un éxito, pero Orlac comenzará a tener pesadillas en las que cree ver al asesino. En la estela de Caligari.
-Das Wachsfigurenkabinett - El gabinete de las figuras de cera (Paul Leni y Leo Birinksy, 1924): Paul Leni es uno de los autores más repetidos por los expertos sobre el expresionismo alemán. Al igual que me ocurre con Pabst, ignoro hasta qué punto podríamos tenerlo en cuenta, así que os dejo la obra que creo más relevante de su filmografía sobre lo que estamos hablando.

¿Final?
¿Cuál es el auténtico final del expresionismo alemán?, ¿cómo fecharlo? Podemos hacerlo de dos maneras: al terminar de ser un movimiento relevante y con la llegada del nazismo a Alemania; o tras la última película que se reconoce como expresionista, Metropolis (Fritz Lang, 1927) Eso ya depende de cada uno. En mi opinión pienso que las tendencias mueren, mas no el arte. El expresionismo alemán sigue vivo, si bien no de una manera absoluta, si como genero influyente en directores actuales como Tim Burton, Henry Selick, Terry Gilliam o David Lynch. He ahí la importancia de este genero, como la de tantos otros.  Su capacidad de persistir a lo largo del tiempo.



@cine_aleman